Kesulitan-kesulitan yang telah kami sebutkan melindungi kami dari segala upaya untuk memberikan jawaban akhir atas pertanyaan-pertanyaan ini. Namun, tidak ada yang menghalangi kita untuk melakukan pengamatan dengan format bersyarat: jika kita berpikir seni adalah ini dan itu, maka mesin dapat (atau tidak akan pernah bisa) menghasilkan karya seni. Misalnya: jika kita termasuk orang yang berpandangan suatu karya seni adalah wujud dari suatu bakat yang luar biasa, yaitu hasil penguasaan suatu teknik secara utuh, hasil latihan yang lama, maka besar kemungkinan mesin tidak dapat menghasilkan karya seni... Jaringan saraf yang menghasilkan gambar, misalnya, tidak dapat menggunakan kuas, tidak terlibat dalam perjuangan yang tidak pasti dengan material yang sulit diatur, tetapi hanya memberikan nilai warna pada piksel pada grid. Dengan kata lain, ia beroperasi dalam bidang entitas matematika, dan tidak harus berhubungan dengan materi.
Bakat atau kompetensi teknis tidak diragukan lagi merupakan syarat yang diperlukan dalam kerangka paradigma seni rupa yang berlaku di Barat selama berabad-abad (setidaknya sejak zaman Renaisans). Namun sejak awal abad ke-20, pilar seni ini dipertanyakan dengan cara yang bervariasi dan efektif, termasuk eksperimen Dadais, kotak hitam Malevich, urinoir Duchamp, dan tradisi seni konseptual secara umum. Setelah kejadian seperti itu, menjadi sangat sulit untuk mempertahankan bakat sebagai penjaga gerbang di pintu masuk wilayah seni. Mereka yang masih bersikeras pada hal ini telah terdegradasi ke pinggiran akademisme yang bersifat retrograde.
Pergantian ini kemudian akan menghilangkan penghalang bagi komputer, yang tidak memiliki tubuh di mana mereka dapat dengan susah payah mengembangkan keterampilan, untuk menjadi seniman. Namun, seperti yang diamati oleh Emanuele Arielli, ada paradoks di sini: seni akademik tradisionallah yang paling bisa ditiru oleh jaringan saraf. Fakta ia memiliki keteraturan dan prosedur yang dapat dikenali membuatnya dapat ditiru : kita dapat memverifikasi ini dengan meminta representasi Midjourney dari apa pun yang dapat dibayangkan dalam gaya Rembrandt, Monet, atau Picasso. Di sisi lain, kita tentu masih jauh dari kemampuan mesin untuk menghasilkan Duchamp: garis konseptual yang menyatukan karya-karyanya, yang secara formal sangat beragam, jauh lebih sulit untuk dipahami. Oleh karena itu, kata Arielli, kita bisa membalikkan kritik yang telah berkali-kali digunakan untuk menyerang seni kontemporer, bahkan seorang anak kecil pun bisa melakukan itu, dan berkata tentang seni akademis Bahkan kecerdasan buatan pun bisa melakukan itu!
Spektrum seorang penulis; Â Namun, bagaimanapun, bakat tampaknya bukan topik terhangat. Diskusi di jaringan lebih berkisar pada versi berbeda tentang apakah produk kecerdasan buatan (dalam bahasa Inggris, AI art) memiliki kualitas tertentu yang, menurut beberapa orang, merupakan ciri khas seni dan hanya dapat diberikan oleh pencipta manusia, sebagai niat., pesan, atau makna yang menghubungkannya dengan dunia luar. Singkatnya, mereka berpendapat mesin tidak dapat menghasilkan karya seni karena seni adalah komunikasi, sesuatu yang terjadi antara pengirim dan penerima (manusia) atau, dengan kata lain, tidak ada seni tanpa pengarang.
Para pendebat digital ini, dalam banyak kasus, mungkin tanpa menyadarinya, melanjutkan diskusi-diskusi yang sudah sangat lama. Mereka mengaktifkan kembali konsepsi tradisional tentang seni sebagai sarana identifikasi atau empati, yang memungkinkan kita menempatkan diri pada posisi orang lain dan memandang dunia dari sudut pandang yang berbeda dari sudut pandang kita sendiri. Misalnya, pada tahun 1897 Leo Tolstoy mengungkapkannya sebagai berikut:
Seni adalah aktivitas manusia yang terdiri dari hal-hal berikut: seseorang, secara sadar, melalui tanda-tanda eksternal tertentu, menyampaikan kepada orang lain beberapa perasaan yang dia alami, dan orang lain dipengaruhi oleh perasaan itu dan mengalaminya sendiri. (dua puluh)
Lebih dekat dengan kita, pada tahun 2016, John Berger mengambil topik ini lagi: Fungsi seni adalah membawa kita dari karya ke proses penciptaan yang dikandungnya. Saat melihatnya, kita seolah-olah melihat melalui mata sang seniman; memasuki contoh spesifik dari tatapannya. Kami sedang melihat-lihat. Dan, dari sudut pandang seniman, kita belajar tentang kemampuan spesies kita dan kemungkinan masa depan kita.
Namun di antara dua wujud yang begitu erat semangatnya ini, banyak hal yang terjadi. Secara khusus, beberapa tokoh yang dekat dengan (pasca)strukturalisme Prancis mengembangkan kritik terperinci terhadap sosok pengarang sebagai sumber penjelas karya dan sumber utama makna unik yang harus diungkap oleh pemirsa (atau versi profesionalnya, kritikus). Orang yang menjelaskannya dengan paling gamblang tentunya adalah Roland Barthes, dalam artikel terkenalnya yang berjudul Kematian Sang Pengarang. Di sana tertulis:
 Tulisan adalah kehancuran setiap suara, setiap asal usul. Menulis adalah tempat yang netral, tersusun, miring di mana subjek kita berakhir, hitam-putih di mana semua identitas akhirnya hilang, dimulai dengan identitas tubuh yang menulis. (1)
Ini adalah sebuah apresiasi atas keagenan dan otonomi bahasa itu sendiri, yang kemudian ia ilustrasikan, secara menarik, dengan mengacu pada seorang penulis tertentu:
Di Prancis, Mallarm tidak diragukan lagi adalah orang pertama yang melihat dan meramalkan dalam seluruh cakupannya perlunya mengganti bahasa itu sendiri dengan bahasa yang sampai saat itu dianggap sebagai pemiliknya; Baginya, bagi kita, yang berbicara adalah bahasanya, dan bukan pengarangnya; Menulis terdiri dari pencapaian, melalui impersonalitas sebelumnya [...] pada titik di mana hanya bahasa yang bertindak, bertindak, dan bukan aku: semua puisi Mallarm terdiri dari penindasan penulis demi kepentingan tulisan.Â
