Mencari dan Mencapai yang "Sublim"

Pada abad-abad terakhir ini, "menuruni sebagian besar jalan; sebuah perjalanan panjang ke dalam kekacauan artistik ". Ini, menurutnya, adalah karena pengabaian kita secara progresif terhadap cita-cita kecantikan Yunani. Cita-cita ini memiliki tiga komponen: keindahan objek yang diwakili; keindahan keakuratan representasi; dan keindahan lukisan atau pahatan itu sendiri.

Komponen pertama ditinggalkan ketika pelukis mulai terpesona oleh penggambaran akurat orang-orang jelek. Komponen kedua ditinggalkan ketika seni menjadi semakin abstrak, dan tidak lagi menjadi representasi dari apa pun. Komponen ketiga telah ditinggalkan oleh sebagian besar seni kontemporer, yang daya tarik intelektual dan visceral jelas tidak dibatasi oleh keinginan seni harus terlihat cantik dan menarik.

Mencari yang Sublim, [dokpri]

Pada estetika, yang agung (kata "sublim" atau Sublim Latin ) adalah kualitas kebesaran, baik fisik, moral, intelektual, metafisik, estetika, spiritual, atau artistik. Istilah ini terutama mengacu pada kebesaran di luar semua kemungkinan perhitungan, pengukuran, atau imitasi.

Penelitian sublime pertama yang diketahui berasal dari Longinus: Peri Hupsous / Hypsous atau On the Sublime . Ini dianggap telah ditulis pada abad ke-1 M meskipun asal dan penulisannya tidak pasti. Bagi Longinus, yang agung adalah kata sifat yang menggambarkan pemikiran atau bahasa yang agung, tinggi, atau tinggi, khususnya dalam konteks retorika.

Dengan demikian, yang agung mengilhami kekaguman dan pemujaan, dengan kekuatan persuasif yang lebih besar. Risalah Longinus juga terkenal untuk merujuk tidak hanya kepada penulis Yunani seperti Homer, tetapi juga sumber-sumber Alkitab seperti Kejadian .

Risalah ini ditemukan kembali pada abad ke-16, dan dampak selanjutnya pada estetika biasanya dikaitkan dengan terjemahannya ke dalam bahasa Prancis oleh ahli bahasa Nicolas Boileau-Despraux pada tahun 1674. Kemudian risalah itu diterjemahkan ke dalam bahasa Inggris oleh John Pultney pada tahun 1680, Leonard Welsted pada tahun 1712, dan William Smith pada 1739 yang terjemahannya memiliki edisi kelima pada tahun 1800.

Cita-cita seni Yunani ini diungkapkan tidak hanya oleh para seniman itu sendiri, tetapi juga oleh para filsuf seperti Aristotle. Memang, banyak karya seni Yunani tidak lagi bertahan, dan kita tahu hanya dari deskripsi tertulis. Aristoteles dan yang lainnya memberi tahu kami apa yang menurut orang Yunani indah.

Tetapi Radford tidak merujuk pada filsuf seni yang lebih baru. Karena itu ia memberi kesan, sejak dahulu kala sebagai Yunani kuno, para filsuf telah menjelaskan kepada para seniman apa yang seharusnya mereka lakukan, tetapi pada abad-abad berikutnya para seniman telah bertindak dengan cara mereka sendiri yang manis, dan semuanya salah.

Untuk sebuah artikel di majalah filsafat, ini membuat para filsuf lolos terlalu mudah. Penting untuk menyadari sejauh mana para filsuf sendiri ikut bertanggung jawab atas perubahan tujuan seni ini. Baik atau buruk, mereka harus mengambil bagian dari tanggung jawab untuk pengembangan seni modern.

 "Kapan masalah dimulai?" Dia memutuskan seni mulai menjadi sangat salah pada akhir abad ke-18, dalam lukisan-lukisan Turner. Itu juga di abad ke-18 (terutama di Jerman) para filsuf mulai mencurahkan banyak pemikiran untuk sifat seni.

Memang, kata 'estetika' (yang berarti berteori tentang seni dan keindahan) pertama kali digunakan sekitar tahun 1750, oleh filsuf Jerman Alexander Baumgarten. Pada tahun-tahun berikutnya, demam minat filosofis tentang seni menyebar ke seluruh Eropa. Namun, dari semua tulisan ini, satu-satunya buku yang paling berpengaruh adalah buku karya filsuf paling berpengaruh pada masa itu: Immanuel Kant.

Dalam beberapa hal, mengejutkan Kant seharusnya berpikir begitu mendalam tentang seni, karena tampaknya tidak ada bukti ia secara pribadi memiliki minat besar pada lukisan atau patung. Bahkan bukunya, The Critique of Judgment (1790), hampir tidak berisi referensi untuk karya seni yang sebenarnya. Dia melakukan diskusi pada tingkat yang sangat abstrak, menghindari menjabarkannya dengan banyak contoh karena orang-orang sezamannya cenderung melakukannya.

Namun fakta inilah yang telah membantu membuat bukunya begitu berpengaruh, dan membuat pengaruhnya tetap hidup sampai sekarang. Banyak dari apa yang dia katakan dapat dengan mudah ditemukan berlaku untuk karya seni modern yang tidak mungkin dibayangkan Kant. Karya-karya ini tentu saja bukan yang ada dalam pikirannya, tetapi gagasannya telah membantu membuat seni modern menjadi mungkin.

Turner mungkin belum membaca Kant. Tetapi banyak orang sezamannya dalam kehidupan seni dan sastra Inggris (termasuk penyair Samuel Taylor Coleridge) akrab dengan filsafat Jerman. Ide-ide Kant telah menjadi pengaruh besar pada Gerakan Romantis dalam seni dan sastra, meskipun kepribadiannya yang kering dan akademis hampir sama jauhnya dari kemewahan Byronic seperti yang bisa dibayangkan.

Turner akan menemukan ide-ide fashionable tentang seni, termasuk keyakinan seniman harus berusaha untuk mewakili alam yang paling luhur. Banyak penulis abad ke-18 (termasuk Edmund Burke di Inggris) telah berusaha mendefinisikan apa arti kata 'luhur'.

Tetapi yang paling canggih secara filosofis dari semua upaya ini adalah Kant, The Critique of Judgment. Seperti Burke, Kant membuat perbedaan yang jelas antara apa yang indah dan apa yang luhur. Seni, dia percaya, harus peduli dengan keduanya (tetapi tidak dengan keduanya pada saat yang sama). Bunga kecil itu indah; tetapi badai di laut luhur.

Turner, tentu saja, mencurahkan lebih banyak energi untuk melukis badai di laut daripada melukis bunga. Bahkan sosok manusia, dalam lukisan-lukisan Turner yang belakangan, jarang lebih dari sekadar setitik kecil cat, untuk memberi kesan skala pada gletser gunung besar atau pemandangan laut yang bergejolak.

Jadi Colin Radford cukup benar untuk mengatakan, pada akhir abad ke-18, seniman mulai berpaling dari menggambarkan benda-benda indah pada skala manusia, dan mulai menjangkau ke arah luasnya visi luhur yang tak terduga.

Kant mungkin hampir menetapkan pokok bahasan untuk diikuti oleh Turner dan pelukis lain ketika dia menulis tentang: "Hujan badai menumpuk di lemari besi surga, lahir bersama dengan kilatan dan guruh, gunung berapi dalam semua kekerasan penghancuran mereka, badai meninggalkan kehancuran, badai meninggalkan kehancuran di jalur mereka, samudera tanpa batas naik dengan kekuatan pemberontak. "

Kant dapat membantu kita memahami apa yang ingin dicapai oleh para seniman ini, dan mereka yang datang kemudian. Mereka tidak mencari untuk menghasilkan efek yang indah, mereka mencapai sesuatu yang sama sekali berbeda: keagungan. Di antara seniman yang lebih modern, Rothko dan ekspresionis abstrak Amerika lainnya termasuk dalam tradisi yang sama.

Radford mengakui lukisan-lukisan Rothko "menginspirasi minat, kesenangan dan kekaguman.... tetapi pada saat yang sama saya harus mengakui saya tidak dapat memberikan alasan atau pembenaran atas tanggapan saya." Dasar pemikiran seperti itu tentu tidak dapat ditemukan di Aristoteles, tetapi dapat ditemukan di Kant, meskipun Kant tidak pernah bisa memiliki terlihat ada lukisan yang menyerupai kanvas abstrak besar Rothko.

Kita mengalami keagungan, Kant menjelaskan, ketika berhadapan dengan sesuatu yang tidak bisa kita pahami atau pahami sepenuhnya, tetapi yang mendorong kita untuk berjuang menuju pemahaman seperti itu. Ketika ini terjadi "pikiran merasa dirinya bergerak dalam gerakan", dan gerakan gelisah ini, seperti halnya laut, tidak pernah mencapai kesimpulan akhir, anehnya menyenangkan.

Jadi kesalahpahaman seni modern adalah bagian dari kesenangannya. Ketika kita mulai merasa kita memahami beberapa aspek dari niat sang seniman, ini mendorong kita untuk mencoba untuk lebih memahami, tetapi keanehan dan kerumitan karya terus-menerus menjauhkan kita.

Marcel Duchamp menjelaskan simbolisme rumit dari karya kompleksnya, The Large Glass, tempat ia bekerja selama beberapa tahun. Bahkan ketika seseorang telah membaca semua penjelasan ini, makna penuh dari konstruksi tetap membingungkan.

Tetapi pada saat itu harus jelas itu bukan hanya bermacam-macam garis dan bentuk. Tampaknya memiliki makna atau tujuan, tetapi kita tidak bisa memahami apa tujuan itu. Ini persis keadaan pikiran yang Kant percaya kita alami sebagai kesenangan estetika.

Kant menyimpulkan seniman sejati harus memiliki kualitas, bukan hanya dari pengrajin yang terampil, tetapi juga kejeniusan. Dan jenius yang ia definisikan sebagai "bakat untuk menghasilkan yang tidak ada aturan pasti yang dapat diberikan .... akibatnya, orisinalitas harus menjadi properti utamanya.

"Oleh karena itu, setiap seniman harus menghasilkan sesuatu yang sama sekali baru, daripada mengikuti model dari masa lalu. Ada "pertentangan total antara kejeniusan dan semangat meniru."

Ini adalah persyaratan penting yang dianut oleh seni modern dengan antusias. Banyak orang mungkin berpikir itu telah benar-benar kelelahan dalam prosesnya. Bukankah kita, pada saat ini, telah melihat setiap kemungkinan hal baru, setiap kemungkinan redefinisi tentang apa itu seni? Bukankah semuanya sudah dilakukan? Apakah kita tidak dikutuk hanya untuk mengulangi fitur yang dipilih dari hamparan gaya artistik masa lalu?

Namun, pengulangan seperti itu sekarang akan menjadi ironis, kritis, dan bijaksana. Gagasan tidak ada hal baru yang mungkin, secara paradoks, adalah hal yang sangat terbaru: salah satu inspirasi untuk seni postmodern kontemporer.

 

Kompasianival

Baca konten-konten menarik Kompasiana langsung dari smartphone kamu. Follow channel WhatsApp Kompasiana sekarang di sini: https://whatsapp.com/channel/0029VaYjYaL4Spk7WflFYJ2H